Rebekka und Agnetha arbeiten seit 2023 zusammen. In ihrer interdisziplinären Praxis erforschen sie techno-feministische Perspektiven auf Körper, Technologie und Materialität.
Rebekka Jochem ist Künstlerin, Gestalterin und Creative Technologist, geboren in Köln. Nach ihrem Studium des Produktdesigns an der Hochschule Wismar in Norddeutschland absolvierte sie ihren Master in Contextual Design an der Design Academy Eindhoven in den Niederlanden. Hier entwickelte sie ihre kritische Designpraxis weiter, die für sie bedeutet, kulturelle Phänomene durch gestalterische Methoden zu analysieren und Möglichkeiten aufzuzeigen, um aus gesellschaftlich verankerten, fehlerhaften Handlungsmustern auszubrechen.
Agnetha Jaunich ist eine freischaffende Tänzerin und Performance-Künstlerin. Sie hat einen Bachelor-Abschluss in performativer Kunst an der Hochschule für Bildende Künste in Braunschweig und absolviert derzeit einen Masterstudiengang in Szenischer Forschung an der Ruhr-Universität Bochum. Seit 2012 nimmt ihre experimentelle Praxis in Form von freien Produktionen im Bereich der darstellenden Kunst Gestalt an und erforscht die Konvergenz von Analog und Digital.

In RAVE-PATTERN treffen Ravekultur und Maschinenstrick aufeinander: Eine modifizierte Strickmaschine verarbeitet während der Clubnacht live die Schweißdaten der Ravenden. Über Wearables werden biometrische Informationen gesammelt, in Strickmuster übersetzt und zu einem stetig wachsenden Textil verarbeitet. Die performative Installation macht körperliche Intensitäten sichtbar und erzählt von kollektiven Rhythmen, digitalen Transformationen und neuen Textilästhetiken. Das Projekt verbindet interdisziplinäre Performance, historische Technologie und Cluberfahrung zu einem haptischen Archiv des Abends – eine performative Datenskulptur, in der sich die einzelnen Körper zu einem gemeinsamen, sich ständig wandelnden Muster verdichten.

Website Rebekka Jochem

Website Agnetha Jaunich

As an interdisciplinary duo, Rebekka Jochem and Agnetha Jaunich explore the interplay between the body and data capture. Their textile works translate digital body data into touchable forms – beyond self-optimization and comparison. Dance serves them as a resistant form of movement. They are currently developing patterns in real time using biometric data and a modified knitting machine to create new data bodies that can be experienced haptically.

RAVE-PATTERN is where rave culture and machine knitting meet: a modified knitting machine processes the ravers’ sweat data live during the club night. Biometric information is collected via wearables, translated into knitting patterns and processed into a constantly growing textile. The performative installation makes physical intensities visible and tells of collective rhythms, digital transformations and new textile aesthetics. The project combines interdisciplinary performance, historical technology and club experience to create a haptic archive of the evening – a performative data sculpture in which the individual bodies condense into a common, constantly changing pattern.

Das Kollektiv aus der Muschel ist eine FLINTA physical theater company.
Das Kollektiv kam 2023 mit dem Projekt Octopussy zusammen und besteht aus Liv Kallmeyer, Selma-Lou Hass, Zoe Celine Krüger & Alexandra Entenmann (Performance, Devising) & Juliette Roussennac (Regie, Performance). Die Company beschäftigt sich mit gesellschaftlichen Themen wie männliche und sexualisierte Gewalt, Sexismus und Justiz. Diese ernsten Themen werden in fantastischen Erzählungen mit Drag und interaktiven Formaten erkundet.
Bühnenbild und Kostüm wurden von Bill Holtkamp & Katja Stolz erarbeitet.

Die Octopussy ist ein längst vergessener Ort — eine verheißungsvolle Erzählung von einer besseren Welt. 20.000 Meilen unter dem Meer. Oder wie war das nochmal?

Die Piratin An schwelgt in Erinnerungen an ihre alten Tage auf See und an einen Ort, an dem eine neue Welt beginnt. Die beiden Diver lauschen der alten Seefahrerin und wissen genau: ihnen fehlt nur noch das passende Spezialteam.

Octopussy x DungeonDive ist eine immersive Performance bei der interaktive Spielmechaniken genutzt werden um die Gäste einzuladen sich gemeinsam auf eine performative Reise durch die Tiefsee zu begeben. Seid ihr bereit?

Instagram Juliette Roussennac

The collective from the shell is a FLINTA physical theater company.
The collective came together in 2023 with the Octopussy project and consists of Liv Kallmeyer, Selma-Lou Hass, Zoe Celine Krüger & Alexandra Entenmann (performance, devising) & Juliette Roussennac (direction, performance). The company deals with social issues such as male and sexualized violence, sexism and justice. These serious topics are explored in fantastic narratives with drag and interactive formats.
Set design and costumes were created by Bill Holtkamp & Katja Stolz.

Octopussy is a long-forgotten place—a promising tale of a better world. 20,000 leagues under the sea. Or how did that go again?

The pirate An revels in memories of her old days at sea and a place where a new world begins. The two divers listen to the old sailor and know exactly what they need: the right special team.
Octopussy x DungeonDive is an immersive performance that uses interactive game mechanics to invite guests to embark on a performative journey through the deep sea together. Are you ready?

Peter Burr ist Künstler aus Brooklyn und verwandelt komplexe Computersysteme in emotionale, immersive Erfahrungen. In großformatigen Installationen erforscht er Schnittstellen zwischen Mensch und Maschine sowie die Systeme, die sie antreiben. Seine Arbeiten verbinden frühe grafische Experimente mit zeitgenössischem Echtzeit-Rendering. Als Hooliganship gründete er das Videolabel Cartune Xprez und tourte international mit experimenteller Animation. Burrs Werke wurden u. a. bei MoMA, Whitney und Documenta 14 gezeigt. Derzeit promoviert er zu Videospielen am Rensselaer Polytechnic Institute.

„Black Square“ ist ein Kurzfilm, der sich mit der Frage beschäftigt, wie wir das moderne Leben im Raster ertragen. Er veranschaulicht eine Philosophie der Wahrnehmung durch eine Flut optischer Täuschungen und hebt dabei die Grenzen des menschlichen Körpers und Geistes hervor. Eine Ansammlung menschlicher Figuren windet sich und Quadrate blinken im Rhythmus zu Audioaufnahmen aus der Eröffnung der Op-Art-Ausstellung „The Responsive Eye“ von 1965. Durch die Reibung dieses Kontrasts entsteht das Bild einer ängstlichen, gespaltenen Gesellschaft, die an die Grenzen unserer schwankenden Aufmerksamkeit stößt.

“Sunshine Monument” besteht aus animierten Architekturen, die durch ein Netzwerk von Museen in einer digitalen Benutzeroberfläche wandern. Das Werk untersucht, wie wir uns in virtuellen Räumen bewegen in einer Zeit der visuellen Reizüberflutung und spiegelt dabei sowohl konkrete als auch symbolische Museumsstrukturen wider. Diese scrollenden Animationen betrachten unsere gegenwärtige Zeit der endlosen Feeds und optimierten Nutzererfahrungen und fangen die Stimmung unserer hypervernetzten digitalen Welt ein. Das Werk stellt die Frage, wie sich kulturelles Gedächtnis wandelt, wenn es durch Bildschirme und Algorithmen gefiltert wird, und erschafft neue Bereiche zwischen physischen Museen und visionären digitalen Denkmälern.

„Sunshine Monument“ wurde für das Sunrise/Sunset-Programm des Whitney Museum of American Art im Jahr 2023 in Auftrag gegeben.

Website

Peter Burr is an artist from Brooklyn who transforms complex computer systems into emotional, immersive experiences. In large-scale installations, he explores interfaces between human and machine and the systems that drive them. His works combine early graphic experiments with contemporary real-time rendering. As Hooliganship, he founded the video label Cartune Xprez and toured internationally with experimental animation. Burr’s works have been shown at MoMA, Whitney and Documenta 14, among others. He is currently completing a PhD on video games at Rensselaer Polytechnic Institute.

“Black Square” is a short film that examines ways we endure contemporary life in the grid. It animates a philosophy of perception through an assault of optical illusions, highlighting limitations of one’s body and mind. An assembly of human figures writhe and squares strobe in rhythm to audio sampled from the opening of the 1965 Op Art exhibition “The Responsive Eye”. Through the friction of this contrast, a portrait emerges of an anxious divided society pushing at the boundaries of our teetering attention.

“Sunshine Monument” consists of animated architectures that scroll through a network of museums housed within a digital interface. The work explores how we navigate virtual spaces in an era of visual overload, reflecting both literal and symbolic museum structures. These scrolling animations examine our current moment of endless feeds and optimized experiences, channeling the atmosphere of our hyperconnected digital landscape. The piece questions how cultural memory transforms when filtered through screens and algorithms, creating new zones between physical museums and speculative digital monuments.

“Sunshine Monument” was commissioned for the Whitney Museum of American Art’s Sunrise/Sunset program in 2023.

Christina Koehler arbeitet unter dem Namen Tintin Patrone als deutsch-philippinische Sound- und Performancekünstlerin. In ihren Arbeiten untersucht sie Klang als kulturelles System und bindet Roboter und KI gezielt in ihre Performances ein, um gängige Vorstellungen von Subjektivität und Körperlichkeit zu hinterfragen. Inspiriert von Concept-Art, Fluxus und experimenteller Musik schafft sie kollektive Erkundungsräume, in denen sich Mensch und Maschine auf neue Weise begegnen.

„With a Smile and a Song“ (live concert/performance)

In einem Duett aus Posaune und algorithmischem Tierchor entfaltet sich eine düstere Neuinterpretation der Disney-Idylle.
Ein Reh – ausgestattet mit einer KI-generierten Stimme – bewegt sich langsam durch den Raum. Eine Blaumeise antwortet aus dem Unhörbaren. Zwischen Dröhnen, Lärm und verzerrten Märchenfragmenten entsteht eine fragile Szene: eine Dark-Disney-Halluzination aus dem Post-Anthropozän. Eine performative Erkundung von Märchenbildern, nicht-menschlichen Akteuren und künstlicher Intelligenz im Klang.

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Christina Koehler works under the name Tintin Patrone as a German-Filipino sound and performance artist. In her work, she explores sound as a cultural system and incorporates robots and AI into her performances in order to question common notions of subjectivity and corporeality. Inspired by concept art, Fluxus and experimental music, she creates collective spaces of exploration in which man and machine meet in new ways.

„With a Smile and a Song“ (live concert/performance)

In a duet of trombone and algorithmic animal choir, a dark reinterpretation of the Disney idyll unfolds. A deer – equipped with an AI-generated voice – slowly moves through the space. A blue tit responds from the inaudible. Between drone, noise, and distorted fragments of fairy tales, a fragile scene emerges: a Dark-Disney post-Anthropocene hallucination. A performative exploration of fairy tale imagery, non-human actors, and artificial intelligence in sound.

Jana Kerima Stolzer und Lex Rütten arbeiten seit 2016 als Künstler*innenduo an der Schnittstelle von Installation, Performance und Theater. Ihre multimedialen Arbeiten erzählen von einer Welt, in der Technologie nicht nur Menschen, sondern auch Flora und Fauna prägt. Hybride Wesen – sprechende Pflanzen, Tiere, techno-natürliche Kreaturen – stehen im Zentrum ihrer Erzählungen, die auf globaler Recherche basieren und neue Beziehungen zwischen Natur und Technologie erkunden.

“Miles Down Under – fragments of a new dawn”

In einer fernen Zukunft – oder einer längst vergessenen Vergangenheit – liegt ein Großteil der Erde unter Wassermassen begraben. Fragmente einer uns bekannten Welt, ragen aus der Tiefe. Dort, wo die Sonne den Takt nicht mehr vorgibt, haben zwei Lebensformen in getrennten Lebensräumen überlebt – und sich neu erfunden. Die einen hüten die Geschichte, gepresst im Gestein, die anderen sind die Kraftwerke der Evolution.

Nach dem Versinken der Oberfläche existiert das Leben weiter – tief unter der Erde und weit unter dem Meer. Zwei Spezies, blind und fremd; teilen eine Welt ohne sich je zu begegnen. Zwischen Gestein und hydrothermalen Quellen entfaltet sich eine fragile, traumhafte Realität – fließend zwischen Erinnerung, Fiktion und Zukunft. Miles Down Under ist ein filmischer Bewusstseinsstrom: meditativ, rätselhaft, von leiser Intensität. Eine spekulative Reflexion über Evolution, Isolation und die Vorstellung des Anderen. Was, wenn das Ende nur eine weitere Transformation in etwas neues Unbekanntes ist? Und was bleibt von uns – in der Tiefe, im Schweigen, im Licht der Vorstellung? Zukunft und Vergangenheit treffen sich genau hier.

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Jana Kerima Stolzer and Lex Rütten have been working as an artist duo at the interface of installation, performance and theater since 2016. Their multimedia works tell of a world in which technology shapes not only people, but also flora and fauna. Hybrid beings – talking plants, animals, techno-natural creatures – are at the center of their narratives, which are based on global research and explore new relationships between nature and technology.

“Miles Down Under – fragments of a new dawn”

In a distant future – or a long-forgotten past – a large part of the earth lies buried under masses of water. Fragments of a world we know rise from the depths. There, where the sun no longer sets the pace, two life forms have survived in separate habitats – and reinvented themselves. One is guarding history, pressed into the rock, the other is the powerhouse of evolution.

After the surface sinks, life continues to exist – deep underground and far beneath the sea. Two species, blind and alien, share a world without ever meeting. A fragile, dreamlike reality unfolds between rocks and hydrothermal springs – flowing between memory, fiction and the future. Miles Down Under is a cinematic stream of consciousness: meditative, enigmatic, of quiet intensity. A speculative reflection on evolution, isolation and the idea of the other. What if the end is just another transformation into something new and unknown? And what remains of us – in the depths, in silence, in the light of the imagination? Future and past meet right here.

SA.M.CO (Sarah Mayer) ist eine in Antwerpen ansässige Digitalkünstlerin mit einem Hintergrund in Mode und Design. Ihre Arbeit erforscht digitale Identität und Schönheitsideale, die durch soziale Medien geprägt werden, wobei sie CGI und Augmented Reality einsetzt – oft mit Fokus auf das menschliche Gesicht. Sie schafft Erlebnisse, die auf physische Objekte zugeschnitten sind, und untersucht, wie zukünftige Smart Glasses und andere Wearable Technologies sowohl den menschlichen Körper als auch die Objekte, mit denen wir interagieren, erweitern könnten.
AKÆRI (Sander van Bellegem) ist ein in Gent lebender visueller Künstler, der in den Bereichen 3D-Design, immersive Installationen, Skulptur und Biomaterialien arbeitet. Seine forschungsbasierte Praxis erkundet die Schnittstelle zwischen digitaler und physischer Welt, mit einem Fokus darauf, unser Verhältnis zur Ökologie durch Technologie neu zu denken. Neben seiner künstlerischen Tätigkeit unterrichtet er 3D-Design und forscht im Bereich KI an der Howest University of Applied Sciences.

Gemeinsam entwickeln sie interaktive Installationen, die Motion Tracking und Echtzeitvisualisierungen nutzen, um menschliche Präsenz, digitale Verkörperung und maschinelle Wahrnehmung zu erforschen.

“Built a Face, Forgot the Rest”

Wir haben die Werkzeuge erhalten, um virtuelle Menschen zu erschaffen, ihre Identitäten und Charaktere zu formen und sie zu unseren Kolleg*innen, Musen, Freund*innen und romantischen Partner*innen zu machen. Ihrer Erscheinung sind keine Grenzen gesetzt; alles ist möglich. Aber was passiert in diesem Prozess mit unserer Wahrnehmung unserer eigenen Erscheinung?

Die digitale Welt fungiert als Rückkopplungsschleife, die unser Bild davon, wie wir aussehen sollten, verstärkt. Wir schaffen idealisierte, fantasierte Standards und versuchen dann, uns selbst umzugestalten, um ihnen zu entsprechen. Ja, sie sind unrealistisch, aber wir jagen ihnen trotzdem hinterher.

Diese Installation untersucht die Faszination, die Sander van Bellegem (AKÆRI) und Sarah Mayer (SA.M.CO) für unsere Interaktion mit virtuellen Identitäten und deren Aussehen empfinden. Während Maschinen beginnen, die Menschheit mit zunehmender Präzision nachzuahmen, müssen wir uns dennoch fragen: Werden sie menschlicher? Oder verändern wir uns selbst, um ihnen ähnlicher zu werden?

Das Publikum ist eingeladen, durch einen Katalog von Gesichtern zu blättern und sich zu fragen: „Welches gefällt mir am besten und warum?“

Linktree SA.M.CO

Website AKÆRI

SA.M.CO (Sarah Mayer) is an Antwerp-based digital artist with a background in fashion and design. Her work explores digital identity and beauty standards shaped by social media, using CGI and augmented reality. She develops interactive experiences and researches how future smart glasses could digitally extend or adapt physical objects.

AKÆRI (Sander van Bellegem) is a Ghent-based visual artist working across 3D design, immersive installations, sculpture, and biomaterials. His research-led practice explores the intersection of digital and physical worlds, with a focus on reimagining our relationship with ecology through technology. In addition to his artistic work, he teaches 3D design and conducts AI research at Howest University of Applied Sciences.

“Built a Face, Forgot the Rest”

We have been given the tools to create virtual people, to shape their identities and characters, to make them our coworkers, muses, friends, and romantic partners. There are no limits to their appearance; anything goes. But in this process, what happens to how we perceive our own appearance?

The digital world acts as a feedback loop, reinforcing what we think we should look like. We create idealized, fantasized standards and then try to reshape ourselves to meet them. Yes, they are unrealistic, but we still chase them. This installation explores the fascination Sander van Bellegem (AKÆRI) and Sarah Mayer (SA.M.CO) feel toward our interaction with virtual identities and their appearances. As machines begin to mimic humanity with increasing precision, we must still ask ourselves: Are they becoming more human? Or are we reshaping ourselves to be more like them?

The audience is invited to swipe through a catalog of faces and question: “Which one do I feel most drawn to and why?”

Lio Vast und Paul Kimmerl präsentieren ihre interdisziplinäre audiovisuelle Performance, in denen elektronische Livemusik und generative Realtime-Visuals verschmelzen.

Lio Vasts Sound kombiniert industrielle Drums, fragmentierte Synth and Drum Machines und akustisches Klavier – intuitiv, technoid, emotional aufgeladen und doch tanzbar. Die Visuals reagieren direkt auf den Sound — durch visuelle Algorithmen, räumlichen Transformationen und Echtzeitrendering entstehen bewegte Bildwelten, die Raum und Publikum in ein immersives Geflecht aus sich wandelnde Strukturen und Licht verwandeln. Die Atmosphäre changiert zwischen digitaler, kalter Härte, melancholischer Tiefe und rauschhafter Euphorie. Kein Set, sondern ein Zustand – immersiv, unvorhersehbar, lebendig.

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Lio Vast and Paul Kimmerl create interdisciplinary audiovisual performances that fuse live electronic music with generative visuals in real time.

Lio Vast’s sound blends raw industrial drums, fragmented electronics, and acoustic piano, performed and manipulated live. Rather than fixed tracks, the music is reinterpreted in the moment — intuitive, improvised, and emotionally charged. The visuals are reacting directly to sound through fractal image processing, spatial transformations, and real-time rendering. A custom single-beamer dome projection setup surrounds the audience in shifting structures and responsive light, creating a fully immersive visual environment. The atmosphere constantly evolves: from cold, driving intensity to moments of bliss and melancholy. Deep rhythms carry vocals into the hypnotic abyss of sound. It’s not a set, but a state—immersive, unpredictable, and alive.

Mohsen Hazrati (geb. 1987 in Shiraz, Iran) ist ein in Berlin lebender Künstler. Seine Arbeiten und Forschungen konzentrieren sich auf die Schnittstelle zwischen Literatur und digitalen Technologien und wurden bereits an der Udk Berlin, der abk Stuttgart, beim IAM Weekend Barcelona, an der UCL MAL London und bei TEDx Mollasadra St präsentiert sowie in Museen, auf Festivals und Plattformen wie dem CCCB Museum Barcelona, der Art Dubai, der NFT NYU, der ARS Electronica, dem IMPAKT Festival, HAL Berlin, dem Grafikenshus Museum, RadianceVR, Espronceda, der Triennale Kleinplastik Fellbach, der Transfer Gallery, dem Next Level Festival Hamburg und anderen.

Außerdem wurde er mit dem ersten VR-Preis der Deutschen Kredit Bank (DKB) 2024 ausgezeichnet und erhielt Residenzen und Stipendien, darunter an der Akademie Schloss Solitude in Stuttgart und der Rizq Art Initiative in Abu Dhabi.

QQQ ist eine traumähnliche Reise durch verzerrte Landschaften und Lichttunnel, die die Möglichkeiten digitaler Kreation erkundet. Das Werk basiert lose auf den laufenden Forschungen und Beschäftigungen des Künstlers mit iranischer Literatur und Poesie. Es erzählt eine surreale Geschichte darüber, wie ein Fahrzeug ausgewählt wurde, um mit einigen irdischen Elementen ausgestattet, mit verschiedenen Sinnen verziert und mit reinem Treibstoff versorgt zu werden, um seine sterbliche Reise auf der Erde zu beginnen.

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Mohsen Hazrati (b. 1987 in Shiraz, Iran) is a Berlin-based artist. His works and research, focused on the intersection of literature and digital technologies, and have been presented at Udk Berlin, -abk Stuttgart, IAM Weekend Barcelona, UCL MAL London, TEDx Mollasadra St, and exhibited and featured in museums, festivals, and platforms such as CCCB Museum Barcelona, Art Dubai, NFT NYU, ARS Electronica, IMPAKT Festival, HAL Berlin, Grafikenshus Museum, RadianceVR, Espronceda, Triennale Kleinplastik Fellbach, Transfer Gallery,  Next Level Festival Dortmund, and others.

He was also awarded the first VR Prize from Deutsche Kredit Bank (DKB) 2024 and received residencies and fellowships, including Akademie Schloss Solitude in Stuttgart and Rizq Art Initiative in Abu Dhabi.

QQQ is a dreamlike journey through distorted landscapes and light tunnels exploring the possibilities of digital creation. The work is loosely based on the artist’s ongoing research and occupation with Iranian literature and poetry. It tells a surreal story about how a vehicle has been chosen to be equipped by some terrestrial elements, decorated by different kinds of senses, fed by a pure fuel, to starts its mortal journey on the ground.

Seit den 2000er Jahren setzt sich Jeanne Susplugas mit ihrem entschlossenen Engagement mit den vielfältigen Formen der Einschränkung auseinander – sei es physischer, psychischer oder sozialer Natur. Sie hinterfragt die Beziehungen und Verzerrungen des Individuums zu sich selbst und zu anderen in einer obsessiven und dysfunktionalen Welt. Mit Distanz, Kohärenz und Präzision schafft sie ein persönliches Universum, indem sie eine Vielzahl von Medien einsetzt – Zeichnung, Glas, Marmor, Bronze, Keramik, Video, Fotografie, Augmented und Virtual Reality. All diese Erkundungen und Ausdrucksformen bereichern sich gegenseitig und schaffen eine Ästhetik, die auf den ersten Blick verführerisch wirkt, aber schnell beunruhigend und irritierend wird.

“I will sleep when I am dead” („Ich werde schlafen, wenn ich tot bin“): Diese Worte, die Jeanne Susplugas von Bon Jovi übernommen hat, sagen viel über ihre Arbeit aus, über das Gehirn und unsere Gedanken, die so schwer zu bändigen sind.
Dank der „Techno-Magie“ der virtuellen Realität tauchen die Besucher*innen in eine Schädelhöhle voller Neuronen und Synapsen ein. Sie verlieren sich in einem unendlichen Labyrinth und begegnen „Gedanken“, die durch piktogrammartige Zeichnungen materialisiert werden. Es ist eine intime, fast psychoanalytische Begegnung von Angesicht zu Angesicht, die eine Intensität und ein einzigartiges Erlebnis vermittelt.
Eingetaucht in das Gehirn, gewunden und manchmal neblig, werden die Betrachter*innen dazu angeleitet, mehrere Reisen zu unternehmen, die mit ihren Gedanken verbunden sind. Mit Hilfe einer Reihe von „Erzählungen“ kann jede*r Betrachter*in die eigene mentale Reise unternehmen.
Die experimentellen Zeichnungen sind das Ergebnis von Interviews, die die Künstlerin zwischen 2017 und 2020 durchgeführt hat. Sie lud die Teilnehmer*innen ein, ihre Gedanken zu teilen, um Porträts („Neuro-Porträts“) ihres Gehirns zu erstellen. Die Erfahrung ist auch eine Reise durch die Zeichnung, sei es in 2D oder 3D. Die Künstlerin hinterfragt den Stellenwert der Zeichnung in der heutigen Zeit.

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Since the 2000s, Jeanne Susplugas’ resolutely committed approach has tackled the many forms of confinement – whether physical, mental or social. She questions the relationships and distortions of the individual with himself and with others, in an obsessive and dysfunctional world. With distance, coherence and precision, she creates a personal universe using a wide range of media – drawing, glass, marble, bronze, ceramics, video, photography, augmented and virtual reality. All these explorations and languages mutually enrich each other to create an aesthetic that is seductive on the surface, but quickly disquieting and grating.

“I will sleep when I’m dead”: these words, borrowed by Jeanne Susplugas from Bon Jovi, speak volumes about her work, about the brain and our thoughts, so difficult to tame.
Thanks to the “techno-magic” of virtual reality, visitors plunge into a cranial box among neu-rones and synapses. They lose themselves in an infinite labyrinth, encountering “thoughts” materialized by pictogram-like des-sins. It’s an intimate, almost psychoanalytical face-to-face encounter that introduces an in-tensity and a unique experience.
Immersed in the brain, tortuous and sometimes misty, the spectator is led to follow several journeys linked to his or her thoughts. With the help of a bundle of “narratives”, each spectator is free to take his or her own mental journey.
The experimental drawings are the fruit of interviews conducted by the artist between 2017 and 2020. She invited participants to share their thoughts in order to create portraits (“neuro-portraits”) of their brains. The experience is also a journey through the drawing, whether in 2D or 3D. The artist questions the place of drawing today.

Radiance VR ist ein Online-Archiv für Virtual Reality-Experiences in der bildenden Kunst. Erklärte Mission ist es, VR-Kunstwerke sichtbar und zugänglich zu machen und die schnellere Verbreitung von VR in der Kunst und im Bildungsbereich zu fördern. Die Radiance VR App präsentiert 49 VR-Kunstwerke von internationalen Künstler*innen in einer App für Meta Quest Headsets. Sie bietet eine kuratierte Auswahl vielseitiger virtueller Welten, die individuelle und gesellschaftliche Auswirkungen der Digitalisierung kritisch reflektieren. Radiance VR co-präsentiert die VR- Experiences von Jeanne Susplugas und Mohsen Hazrati.

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Radiance VR is an online archive for virtual reality experiences in the visual arts. Its stated mission is to make VR artworks visible and accessible and to promote the faster spread of VR in the arts and education. The Radiance VR app presents 49 VR artworks by international artists in an app for Meta Quest headsets. It offers a curated selection of diverse virtual worlds that critically reflect on the individual and societal impacts of digitalization. Radiance VR co-presents the VR experiences of Jeanne Susplugas and Mohsen Hazrati.

Noch nicht alle Bios sind bei uns gelandet – stay tuned for EVEN MORE amazing artists

Viv Lennert ist Medienforscherin, Kulturmanagerin, Digitalkünstlerin und Kuratorin. 2021 bis 2023 war sie Projektmanagerin und Teil des Kuratoriums des NEW NOW Festivals für digitale Künste auf Essen Zollverein und co-gründete 2022 die arc gallery im Techno Club Tresor.West, um neue Dispositive für Medienkunst zu erforschen und unerwartete Begegnungen zwischen Hoch- und Subkultur zu schaffen. Momentan ist sie an der Programmgestaltung des NEXT LEVEL Festivals in Dortmund beteiligt. Sie arbeitet kollaborativ in wechselnden Konstellationen zwischen Theorie und Praxis und forscht an kooperativen und ästhetischen Potenzialen virtueller Szenografie. Sie ist VJ und produziert überladene Visuals für verschiedene (Rave)Kollektive und Künstler*innen und Clubs.

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Viv Lennert is a media researcher, cultural manager, digital artist, and curator. From 2021 to 2023, she was project manager and co-curator for the NEW NOW Festival for Digital Arts at Essen Zollverein, and in 2022 she co-founded the arc gallery at the Techno Club Tresor.West to explore new dispositives for media art and create unexpected encounters between high culture and subculture. Currently she is co-creating the programme for the NEXT LEVEL Festival in Dortmund. She works collaboratively in changing constellations between theory and practice and researches the cooperative and aesthetic potentials of virtual scenography. She is a VJ and produces overloaded visuals for various (rave) collectives, artists, and clubs.

Linda Singer ist Kuratorin mit Fokus auf Digitalisierung, Medien und (digitale) Kunst. Sie war Programmleiterin der TINCON und entwickelte als Veranstaltungsleiterin beim Kompetenzzentrum Kultur- und Kreativwirtschaft des Bundes bundesweite Austauschformate. Seit 2023 gestaltet sie das Programm der re:publica, koordinierte u.a. 2023 einen Open Call mit 1.400 Einreichungen und agiert seit 2024 als Festival-Koordinatorin als Schnittstelle zwischen Programm und allen Gewerken. Sie verantwortet das Format ON SCREEN in Kooperation mit dem Medienboard Berlin-Brandenburg. Parallel ist sie freiberuflich tätig, u.a. für Stiftung Zollverein, Stiftung Deutsche Wirtschaft, Technologiestiftung Berlin/CityLAB, ZK/U, Next Level Festival und dem Auswärtigen Amt.

Linda Singer is a curator focusing on digitization, media, and (digital) art. She was program director at TINCON and developed nationwide exchange formats as event manager at the Federal Competence Center for Cultural and Creative Industries. Since 2023, she has been designing the program for re:publica, coordinating an open call with 1,400 submissions in 2023, among other things, and since 2024, she has been acting as festival coordinator, serving as the interface between the program and all trades. She is responsible for the ON SCREEN format in cooperation with the Medienboard Berlin-Brandenburg. At the same time, she works as a freelancer for the Zollverein Foundation, the German Economy Foundation, the Berlin Technology Foundation/CityLAB, ZK/U, Next Level Festival, and the German Foreign Office, among others.

Die grafische Gestaltung stammt von Nina Sabath, Designerin aus Bochum, die für die arc gallery animierte Key Visuals und das visuelle Erscheinungsbild entwickelt. Nina Sabath ist freischaffende Grafikerin und Eventmanagerin mit Sitz in Bochum. Ihre Arbeiten sind eine Mischung aus analoger Struktur und digitalem Chaos. Zwischen Bild, Typografie und Bewegung entsteht eine visuelle Reibung, die sich in Fragmenten, Collagen und lauten Farben artikuliert. Ihr gestalterisches Vokabular ist roh, direkt und vom urbanen Raum inspiriert.

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The graphic design is by Nina Sabath, a designer from Bochum who develops animated key visuals and the visual appearance for the arc gallery. Nina Sabath is a freelance graphic designer and event manager based in Bochum. Her work is a mixture of analogue structure and digital chaos. Between image, typography, and movement, a visual friction arises that is articulated in fragments, collages, and loud colors. Her design vocabulary is raw, direct, and inspired by urban space.

Nach zwei erfolgreichen Phasen seit der gemeinsamen Gründung der arc gallery steht Daniela Berglehn als Kulturmanagerin, Kuratorin und Unterstützung bei Pressearbeit beratend zur Seite.

Following two successful phases since the joint founding of arc gallery, Daniela Berglehn provides consulting services as a cultural manager, curator, and press relations support.

sind ein Künstlerkollektiv und fortlaufendes Projekt von Tobias Daemgen, Jan Ehlen und Moritz Ellerich. In 2007 haben sie begonnen als Kunstkollektiv zu arbeiten um den Spiralen egozentrischer Selbststimulation zu entgehen.

Mit ihren ortsspezifischen, performativen Multimedia Installationen, Interventionen und Happenings entwerfen die RaumZeitPiraten ephemere Modelle von unperfekten Mensch-Maschine Gegenwelten mit denen sie berechnete Realitäten und maschinendominiertes Verhalten in Frage stellen.

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ist so vielschichtig, wie ihre Arbeiten. Sie analysiert Räume und Strukturen und schafft neue Orte. Ihre organisch anmutenden Objekte und Installationen finden ihre Vorbilder häufig in der Natur und erinnern an biologische Formen, die sie verfremdet und mit neuen Materialien und Farben künstlerisch weiterentwickelt. Für den Tresor.West erschafft sie eine neue Höhlen-Welt. Barbara Koch ist Dortmunderin und seit 2007 Mitglied des Dortmunder Künstlerhaus. Sie setzt sich für Artenschutz und Vielfalt ein und ist Initiatorin des „Gartens der 7000 Schmetterlinge“ in der Dortmunder Nordstadt.

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Garten der 7000 Schmetterlinge

interessiert sich besonders für Niedrigschwelligkeit und Performativität von Material, um die Dynamik der sozialen Unterscheidung zwischen Menschen und Nicht Menschen zu hinterfragen. Dazu gehört der Einsatz von intelligenten Farben, Abformungstechniken und Arrangements gesammelter Materialien, die in neuen Narrativen zusammentreffen. Die Werke verlagern seine Urheberschaft auf andere Wesen – seiner Arbeit wohnt ein Geist der Zusammenarbeit inne.

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ist 3D-Mode- und Kostümbildnerin und lebt in Bremen, Deutschland.

Derzeit konzentriert sich ihre Arbeit auf interdisziplinäre Projekte in den Bereichen 3D-Kunst, Performance, Zukunft, Textil- und Modedesign.

Für die zweite Vernissage der arc gallery konzipierte sie eine Fashionshow mit ihren futuristischen Designs. Zudem wird sie mit Performance Artist Brigitte Huezo einen Ausschnitt ihrer Zusammenarbeit zeigen.

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studierte 2000 an der Kunsthochschule für Medien Köln bei Jürgen Klauke und Marcel Odenbach sowie 2003 an der Akademie der Bildenden Künste München bei Olaf Metzel und Klaus von Bruch. Nach seinem Abschluss (2005, mit Auszeichnung) erhielt er u.a. den Spiridon-Neven-DuMont-Preis, das Villa Aurora Stipendium, Los Angeles und 2019 TheRhinePrize für Außenskulptur. Seine Arbeiten waren zuletzt im Kunstmuseum Wolfsburg („Menschenbilder“ 2021, „In aller Munde“ 2020 ) zu sehen. Für den Tresor.West hat er eine neue Arbeit entwickelt, die die veränderte  Raum-Zeit-Wahrnehmung der Raver zum Thema macht und zeigt seine Video-Performance “Recording”.

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erforscht die Wiederholung als künstlerische Ressource und setzt diese in den Mittelpunkt interdisziplinärer Praktiken. Diese werden in gemeinsamen Projekten mithilfe von digitalen Medien, Klang und Architektur umgesetzt. Die Ergebnisse werden in offenen, teils interaktiven Formaten zugänglich gemacht und laden zur Partizipation ein. Neben Ausstellungen und musikalischen Veranstaltungen werden auch regelmäßig Publikationen durch Musik und Raum neu kontextualisiert. Insgesamt bietet der Verein Künstler:innen und Interessierten eine Plattform zum Austausch, der Vernetzung und gemeinsamer Zusammenarbeit.

studierte bis 2021 an der Kunstakademie Münster und wurde zur Meisterschülerin von Mariana Castillo Deball ernannt. Ihre Arbeiten erforschen die Formen, Materialien und Eigenschaften von Körpern auf digitale Weise. Wann fühlt sich das digitale Bild weich, warm oder verletzlich an? Es geht um die Sehnsucht nach Nähe, Intimität und Gefühl in einer zunehmend digitalisierten Welt. Zu sehen waren ihre Arbeiten u. a. in der Kunsthalle Düsseldorf, dem Düsseldorfer Landtag sowie bei den Bregenzer Festspielen.

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…schloss ihr Studium der Bildenden Kunst mit den Schwerpunkten Bildhauerei und Video an der Kunstakademie Münster bei Prof. Aernout Mik sowie an der Kunstakademie Düsseldorf bei Prof. Marcel Odenbach ab. Im Rahmen der Skulptur Projekte 2017 produzierte sie als Teil eines Kollektivs die performative Bustour Grandtour, worauf 2018 die Wrestlingshow Wrecklinghausen im Theater im Pumpenhaus Münster folgte. Als Teil des Salon Ateliers verwirklichte sie Projekte im Rahmen der Emscherkunst 2016 zum Filmstudio Union Produktion und 2018 zum Kampfkunst-Studio Krav Mega . 2019 und 2020 folgten die Projekte Saloon  und Viva BVB –  Echte Liebe. Gemeinsam mit der Künstlerin Stella Rossié realisierte sie seit 2013 Film- und Videoarbeiten, die meist im installativen Ausstellungsrahmen präsentiert und von plastischen Objekten und Performances ergänzt werden. Gördes ist u. a. für das Zimmertheater Tübingen, Schauspiel Dortmund, FFT Düsseldorf und die Ruhrtriennale tätig.

ist eine Digitalkünstlerin, die hauptsächlich mit Programmierung und Live-Coding arbeitet, um performative Erfahrungen zu schaffen. Ihre Forschung umfasst Konzepte wie Körper, Raum, Code und Chaos. Sie hat an mehreren internationalen und lokalen Festivals teilgenommen, sowohl in Zusammenarbeit mit anderen Künstlern als auch einzeln. Sie hat einen Abschluss als Professorin und Bachelor in Kunst an der Nationalen Universität von La Plata, Argentinien. Flor ist Teil von CLiC (Live Coders Collective) aus Argentinien. Sie ist auch eine aktive Mitarbeiterin von Hydra, einer von Olivia Jack entwickelten Browser-Software für Live-Coding.

studierte 2000 an der Kunsthochschule für Medien Köln bei Jürgen Klauke und Marcel Odenbach sowie 2003 an der Akademie der Bildenden Künste München bei Olaf Metzel und Klaus von Bruch. Nach seinem Abschluss (2005, mit Auszeichnung) erhielt er u.a. den Spiridon-Neven-DuMont-Preis, das Villa Aurora Stipendium, Los Angeles und 2019 TheRhinePrize für Außenskulptur. Seine Arbeiten waren zuletzt im Kunstmuseum Wolfsburg („Menschenbilder“ 2021, „In aller Munde“ 2020 ) zu sehen. Eine eigene Präsentation seiner Arbeiten erfolgte 2017 in der Reihe Sculpture 21st im Lehmbruck Museum Duisburg – aktuell läuft seine Solo-Show mit dem Titel „Mysterien der Barbarei“ in Köln (Stiftung Schmidt-Drenhaus, bis 15. Dezember 2022).

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Kerima Elfaza ist 3D-Mode- und Kostümbildnerin und lebt in Bremen, Deutschland.

Derzeit konzentriert sich ihre Arbeit auf interdisziplinäre Projekte in den Bereichen 3D-Kunst, Performance, Zukunft, Textil- und Modedesign.

Ihre Kollektion “SECOND_SCAN” beschäftigt sich mit der Integration neuer Medien wie 3D-Scans und 3D-Druck in das Modedesign. Ein Pixelbild als binärer Ausdruck der Einzigartigkeit, aber auch die Einhaltung der Vorschriften, denn der 3D-Scanner wird als Instrument zur Messung der Individualität eingesetzt. Die Haut als Scan, der wie ein Abdruck der Gegenwart wirkt. Der Scan des menschlichen Körpers wird dann zu einem Abdruck der Kleidung, die zu einer zweiten Haut wird.

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Die RaumZeitPiraten sind ein Künstlerkollektiv und fortlaufendes Projekt von Tobias Daemgen, Jan Ehlen und Moritz Ellerich. In 2007 haben sie begonnen als Kunstkollektiv zu arbeiten um den Spiralen egozentrischer Selbststimulation zu entgehen.

Mit ihren ortsspezifischen, performativen Multimedia Installationen, Interventionen und Happenings entwerfen die RaumZeitPiraten ephemere Modelle von unperfekten Mensch-Maschine Gegenwelten mit denen sie berechnete Realitäten und maschinendominiertes Verhalten in Frage stellen.

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ist ein Multimedia Künstler und Grafikdesigner aus Dortmund.

Seine Laufbahn ist seit 2005 geprägt durch Graffiti als Ausgangsmedium. Dies führte ihn zu Grafikdesign, Videokunst bis hin zu seiner Passion 3D Animation. Er arbeitet seit 2019 selbstständig an Kreativprojekten mit Konzeption und Art Direktion für Klienten aus der Entertainment Industrie. Seine freien Arbeiten beschreibt er als nerdy und futuristisch, geprägt von den Einflüssen der 90er, Anime, Sci-Fi & urbanen Kultur. Für die Arc Gallery entwickelt er die visuelle Identität und animierte Key Visuals.

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Post-Organic Bauplan ist ein Kollektiv aus Argentinien mit Sitz in Deutschland, das von der Performance-Künstlerin Josefina Maro und dem Evolutionsbiologen und Künstler Salvador Marino gebildet wird. Post-organic Bauplan arbeitet an der Entwicklung von Roboterprothesen, um durch Tanz zu forschen und so die Idee des Körpers als natürlich, gegeben und unveränderlich zu entkörpern.

Zur Vernissage der arc gallery performen die Künstler*innen mit robotischen Prothesen im Tresor.West. Die Performance wird unterstützt von der Akademie für Theater und Digitalität.

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Nicola Gördes (geboren in Lennestadt) und Stella Rossié(geboren in Bochum) leben und arbeiten in Hamburg und Dortmund. Als Duo realisieren sie seit 2013 Film- und Performancearbeiten, die meist in einem installativen Ausstellungsrahmen präsentiert und von plastischen Objekten ergänzt werden. In ihren künstlerischen Projekten, die sich an der Schnittstelle von bildender und darstellender Kunst bewegen, befragen sie Machtstrukturen, Autorschaft und Arbeitsverhältnisse ebenso, wie strukturell verfestigte Stereotype, Geschlechter- und Rollenverhältnisse. Während sich die Performances der Künstlerinnen meist auf den Präsentationsort beziehen und ein mehr oder minder gastfreundschaftliches Happening bilden, erzählen sie in ihren Videos kurze, fiktive Geschichten aus einer Welt von Nachrichten, Boulevardmedien und YouTube- Channels. Die Arbeiten von Gördes und Rossié wurden zuletzt u.a. beim Kultursommer-Festival Easterfield, Hamburg, 2021; in der Sammlung Falckenberg, Hamburg, 2020; bei Urbane Künste Ruhr am Emscher Kunstweg, Dortmund, 2021; bei Neue Kunst in Hamburg, Galerie Conradi, Hamburg 2019; bei Exo Exo, Paris, 2020 und im Dortmunder Kunstverein, 2018 gezeigt. 2020 erhielten die Künstlerinnen das Zeit-Stipendium. Seitdem arbeitet das Duo an einem künstlerischen Serienformat unter dem Titel Welcome to the World of …, welches Prominente und Industrielle in ihrem privaten Wohnraum besucht. Der präsentierte Wohnraum entlarvt sich jedoch als eine unerwartete Welt aus Grusel, Schick, Langeweile, Moderne, dem düsteren Mittelalter und dem deutschen Bundestag vor 30 Jahren. Stella Rossié schloss ihr Studium an der HFBK Hamburg bei Prof. Andreas Slominski ab, Nicola Gördes an der Kunstakademie Münster bei Prof. Aernout Mik, sowie an der Kunstakademie Düsseldorf bei Prof. Marcel Odenbach.